La banda sonora del otoño

¿Por qué al bajar las temperaturas nuestras listas de reproducción se llenan de ‘indie’, acústico y jazz? Un viaje por la ciencia y la música para entender los motivos detrás de este cambio de ritmo en nuestras emociones y auriculares.

Llega el otoño. Los días se acortan, bajan las temperaturas y los árboles pierden sus hojas. Y, al mismo son de este cambio estacional, los ritmos frenéticos y las canciones de baile que reinaron durante el verano van desapareciendo de las listas de reproducción para dejar espacio a otro tipo de abrigo sonoro: el de una guitarra acústica, un piano suave o letras que invitan a la reflexión.

No es una simple percepción subjetiva. Año tras año, las métricas lo confirman: autores de estilo intimista como Bon Iver, Sufjan Stevens, Nick Drake o Norah Jones, junto a voces inolvidables del jazz como Chet Baker y Bill Evans, experimentan cada otoño un repunte constante en sus cifras de escuchas.

Un cambio de tendencias que tiene una explicación: detrás de nuestra necesidad de melodías nostálgicas y pausadas se esconde un cóctel fascinante en el que se cruzan la biología de nuestros ritmos circadianos, la psicología que regula nuestras emociones, el comportamiento evolutivo e, incluso, las propias leyes de la armonía musical.

Y es que la ciencia, respaldada por el análisis de datos de las plataformas de “streaming”, ha llegado a una conclusión reveladora: cuando el clima exterior se vuelve frío y oscuro, el ser humano busca de manera instintiva lo que podríamos llamar una “música de refugio”.
Menos luz, más melancolía musical.

Durante años, la sociología cultural intuyó que nuestro apetito musical cambiaba al ritmo de las estaciones. Sin embargo, faltaba la lupa empírica para demostrarlo. La respuesta definitiva llegó, finalmente, de la mano del rastro digital que dejamos en las grandes plataformas de “streaming”.

Un trabajo pionero publicado en la revista científica Nature Human Behaviour puso cifras a esta teoría. Investigadores de la Universidad de Cornell y de Spotify Research diseccionaron 765 millones de reproducciones generadas por un millón de usuarios repartidos en 51 países.
El objetivo era rastrear cómo evoluciona nuestra selección musical según la hora o el mes del año. Para ello, se apoyaron en los parámetros analíticos del propio algoritmo, prestando especial atención a dos factores: la “intensidad” o energía del tema, y la llamada “valencia” musical, un indicador que va de 0 a 1 y que califica el grado de positividad o luminosidad que irradia una canción.

Los resultados desvelaron que nuestro consumo musical no entiende de fronteras aleatorias, sino de latitudes y de horas de sol. Así, en el hemisferio norte, a medida que mengua la luz entre septiembre y diciembre, los oyentes se decantan de manera casi automática por composiciones de menor tempo, más acústicas y de baja intensidad.

En conclusión, según los autores del estudio, “los patrones estacionales varían con la distancia desde el ecuador y están más fuertemente correlacionados con la duración absoluta del día que con los cambios en la duración del día”.

De hecho, herramientas de rastreo como “Spot On Track” catalogan las piezas de baja valencia, con una nota que roza el cero, como obras melancólicas o tristes, marcadas habitualmente por un volumen más tenue, tempos pausados y un alma acústica.

Y, sí cruzamos estas cifras con los sistemas de ingeniería acústica, la fotografía se completa, definiendo a la perfección a los reyes absolutos del otoño: el “indie folk”, el jazz clásico y la canción de autor.

La Hipótesis de la Seguridad Ambiental.

¿Por qué nuestro cerebro nos pide melodías más profundas en cuanto el cielo se encapota? La respuesta nos lleva al terreno de la psicología evolutiva y social, concretamente a la llamada “Hipótesis de la Seguridad Ambiental” (Environmental Security Hypothesis).

Esta teoría, impulsada por el psicólogo Terry F. Pettijohn II y su equipo en la Universidad de Coastal Carolina, plantea una idea fascinante: cuando gozamos de un clima cálido, seguro y de tiempos de abundancia, tendemos a consumir cultura ligera, optimista y sin grandes complicaciones.

Sin embargo, la balanza se inclina hacia el otro extremo cuando el entorno se vuelve frío, duro o percibimos una amenaza física en el ambiente. Es entonces cuando buscamos cobijo en expresiones artísticas más maduras, reconfortantes y de mayor calado emocional.
Para poner a prueba esta teoría, Pettijohn realizó una serie de estudios experimentales en los que recreó escenarios y recuerdos propios de cada estación ante un grupo de estudiantes universitarios.

Al situar a los jóvenes mentalmente en los meses de otoño e invierno, estos mostraban una preferencia estadísticamente significativa por un sonido “reflexivo y complejo”, territorio de la música clásica, el folk y el jazz, mientras que al evocar el verano triunfaban los temas “enérgicos y rítmicos”.

El propio investigador resumía el motor biológico y social de este comportamiento en unas declaraciones recogidas por The Panther: “Desarrollamos la hipótesis de que cuando los tiempos son más difíciles y amenazantes, preferimos individuos y temáticas de medios que sean más significativos y útiles para esos momentos”.

A esta necesidad psicológica de seguridad se suma un innegable factor biológico. Con la llegada del otoño, el déficit de luz solar dispara nuestra producción de melatonina y provoca alteraciones en los niveles de serotonina del cerebro (lo que en algunos casos puede ser el preámbulo del trastorno afectivo estacional).

Ante este panorama químico, darle al “play” a una balada melancólica no busca hundirnos en la tristeza. Al contrario: actúa como una suerte de ancla de supervivencia psicológica que nos abraza, nos ofrece contención emocional y nos ayuda a lidiar con nuestra propia vulnerabilidad frente al clima.

La paradoja del placer triste.

Esta predilección otoñal por acordes que nos encogen un poco el corazón nos lleva directamente a uno de los grandes misterios históricos del arte: la paradoja de la música triste. ¿Por qué razón, de manera totalmente voluntaria, decidimos escuchar canciones que nos hablan de dolor, pérdida o añoranza? La respuesta está, de nuevo, en la ciencia.

Un estudio liderado por la neurocientífica Liila Taruffi y el profesor Stefan Koelsch, desde la Universidad Libre de Berlín, desveló que lejos de sumirnos en el abatimiento, el 76 % de los oyentes identifica a la nostalgia como el sentimiento protagonista cuando suenan melodías tristes.

A esta emoción le siguen, a muy poca distancia, sensaciones tan apacibles como la paz, la ternura y la trascendencia. Así, como bien subrayaron Taruffi y Koelsch en su investigación, “para la mayoría de las personas, la experiencia de la música triste conduce a efectos emocionales beneficiosos”.

Para explicar esta reacción, el musicólogo David Huron sugirió inicialmente que las notas tristes actuaban como un interruptor para liberar prolactina, una suerte de analgésico natural que el cuerpo utilizaría para amortiguar el “dolor” psicológico.

Sin embargo, trabajos basados en neuroimagen funcional llevados a cabo por el Instituto Neurológico de Montreal muestran que esos pasajes musicales que nos conmueven hasta la médula desatan una cascada endógena de dopamina.

Por lo tanto, cuando las tardes de otoño nos obligan a recogernos en espacios interiores, darle al “play” a una lista de canciones melancólicas no nos deprime. Más bien ejerce de abrazo invisible que nos consuela, despierta nuestra empatía vicaria y nos regala una gratificación estética profundamente placentera.

La magia acústica del folk y el jazz.

Más allá del cerebro y las emociones, este idilio estacional tiene una explicación puramente física y armónica. ¿Qué ingredientes técnicos comparten el ‘indie folk’, las grabaciones acústicas y el jazz modal para coronarse como los dueños indiscutibles del otoño? La respuesta se divide en dos grandes pilares.

El primero reside en la calidez de lo analógico y la cercanía de los instrumentos. Las estrellas musicales de esta temporada están hechas, literalmente, de madera: guitarras de acordes suaves gracias a sus cuerdas de nailon o bronce, melancólicos chelos y contrabajos, o baterías que abandonan la agresividad de las baquetas para dejarse acariciar por escobillas.

Desde el punto de vista físico, este arsenal acústico concentra su espectro armónico en las frecuencias medias y bajas, moviéndose entre los 200 y los 2.000 hercios (Hz). Este rango de frecuencias regala al cerebro una sensación de “calidez envolvente” y “proximidad física”.
El segundo gran secreto de esta banda sonora se esconde en las partituras: la teoría musical nos revela que estas canciones navegan frecuentemente por los modos menores, las progresiones dóricas y los acordes con séptimas mayores y novenas (un sello de identidad inconfundible en joyas del jazz como ‘Autumn Leaves’ de Miles Davis o ‘Blue in Green’ de Bill Evans).

Y así, evitan transmitir una alegría plana o una angustia trágica. En su lugar, dejan en el aire una sensación de resolución suspendida, un sabor agridulce que calca a la perfección la propia esencia del otoño: esa época del año marcada por la inmensa belleza visual de los paisajes y, a la vez, por el recordatorio inevitable de que el tiempo pasa y las hojas caen.

Pero el toque de gracia lo pone la velocidad. En estos estilos, las pulsaciones por minuto (BPM) suelen caer por debajo de los 85. Y, gracias a un fenómeno fisiológico conocido como arrastre sensoriomotor (“sensorimotor entrainment”), nuestro pulso cardíaco y nuestra respiración se ralentizan hasta sincronizarse con el ritmo de la canción.

El resultado de todos estos elementos es una profunda calma física que encaja, como un guante, con la quietud del paisaje otoñal. Por eso, estos estilos musicales reinan como la eterna banda sonora de esta estación.

Un refugio hecho de canciones.

En definitiva, este viraje en nuestras listas de reproducción otoñales nos recuerda algo fundamental: la música está muy lejos de ser un simple bien de consumo de usar y tirar. Actúa, en realidad, como una “prótesis biológica y emocional”.

Porque, en el instante en que las hojas cubren el suelo y las tardes se apagan temprano, nuestra mente no quiere escapar a través de la hiperestimulación o de una euforia artificial. Lo que verdaderamente anhelamos es habitar un hogar sonoro.

Por eso, el crujido íntimo de una guitarra folk registrada con micrófonos de cinta en alguna cabaña aislada, el soplo pausado de un saxofón tenor o la resonancia de una balada ‘indie’ nunca deben interpretarse como un síntoma de tristeza o abatimiento, sino como un lugar seguro hecho de sonidos.

Y es que, en el sentido más riguroso de la musicología y la neurociencia, todas estas notas son, pura y simplemente, los leños imaginarios que decidimos encender en nuestro reproductor para calentarnos el ánimo y plantar cara al frío que ya asoma por la ventana.
Por Nora Cifuentes.
EFE / Reportajes.