Limeña radicada en Nueva York, la artista Grimanesa Amorós posee un carácter multidisciplinar y sus exposiciones han recorrido todo el mundo. Desde Estados Unidos hasta China, pasando por México o Israel, por mencionar algunos. Ahora presenta en la capital de España su último montaje “Ocupante”, donde muestra toda la filosofía que comporta su visión del arte público.

Procedente de Egipto, Jordania y Líbano, la peruana Grimanesa Amorós pasó por Madrid para presentar su última exposición titulada “Ocupante”, una mujer viajera y viajante en lo físico y en lo metafórico quien, cargada de sencillez,  comenta como si fuera un mantra: “estoy agradecida a la vida por tener trabajo”.

Un trabajo, el de “Ocupante”,  que puede contemplarse en el centro madrileño La Tabacalera, en el que la artista da vida a lo que se va descomponiendo, “una idea muy romántica, salpicada de matizaciones negativas, que ha recorrido buena parte de nuestra historia desde la antigüedad”, en palabras de la doctora de Historia del Arte y exdirectora del Museo Romántico de Madrid, Begoña Torres González.

La limeña Amorós hace que nos movamos por el lugar de una manera que no nos deja indiferente, por un espacio ubicado, según Torres González “entre el yacimiento, la arquitectura y la escultura, en el que la alteración de las superficies, el desgaste de los cantos y ángulos, indican un trabajo de descomposición lento, pero inexorable. Donde no hay límites entre lo orgánico y lo inorgánico”.

“TENGO UN ROMANCE DESCONOCIDO CON LA ARQUITECTURA”.

Con la artista hablamos sobre sus conceptos profesionales, pero también de su vida y obra tan especial y reconocida en todo el mundo.

— ¿De dónde le vino la idea del montaje “Ocupante”?.

— Tuve una exposición en 2013 aquí en el espacio La Fragua, de Tabacalera, titulada “Fortuna”, e inspirada en lo que era esta empresa de tabacos. Una vez allí fui a una parte del establecimiento, accediendo a unas zonas no abiertas al público con mi cámara, y tomé algunas imágenes, que conforman la base de esta exposición presente.

— ¿Cuál es la motivación?.

— Tengo un romance desconocido con la arquitectura. Para mí son muy importantes los espacios porque siempre quiero que el visitante, cuando vea un vídeo, unas fotos o una instalación de luz, contemple una fusión entre la arquitectura, la pieza, el espacio y el propio espectador.

— ¿Por qué presentarla ahora?.

— Desde que hice esa incursión con mi cámara tuve ganas de ofrecer este trabajo con las ideas que me surgieron. Tengo una relación extraña con el tiempo. Le diré que, para mí, el tiempo no existe. Eso hace que no sienta presión por las metas temporales que nos podemos poner. Cuando estamos listos para poder recibir lo que la muestra nos va a dar, ese es el momento. Justo en el que confluye la arquitectura –que ya no existe realmente de cuando lo grabé- con la obra que ha sido de Tabacalera, o podría darse en otro lugar diferente.

— ¿Cuál es el sentido con el que hay que observar  su nueva muestra?.

— Lo que me interesa es que quienes acuden a ver mi trabajo se elaboren una opinión, quiero hacer pensar al espectador. Que no se sientan indiferentes ante la obra que les ofrezco. Si consigo que las personas atiendan y estén unos segundos en esa reflexión, creo que ya he hecho bastante. Si quisiera mantener mi propia visión ante los demás, perdería universalidad.

— ¿Qué significa en el mundo actual el concepto de “frontera abierta”?.

— Viajo muchísimo y soy partidaria de que no hubiera ningún tipo de pasaporte y que pudiéramos movilizarnos entre países para ser, básicamente, seres humanos.  Las nacionalidades te ofrecen obtener una cultura sobre tu país y un crecimiento, pero una frontera abierta abriría la posibilidad de conocer muchas, muchas culturas. Uno de mis grandes deseos es dominar multitud de  idiomas para poder comunicarme.

— ¿De qué manera influyen en su labor las Ciencias?.

— Yo trabajo en los montajes de luces “Led” y ahí la ciencia tiene mucho que ofrecer. De hecho sin ella no serían posibles algunas de mis creaciones. Begoña Torres menciona a Gastón Bachelard -filósofo y físico del siglo XIX- que decía que “la ciencia no puede producir ninguna verdad”, y utilizaba la metáfora de que el conocimiento que tenemos de lo real es la luz que siempre proyecta alguna sombra. Precisamente, la muestra “Ocupante” se realiza como si estuviéramos iluminados por una vela… .

“VIVO MI PROPIA VERDAD”.

— ¿Hablando de destellos, qué le queda del viaje a Islandia y su impacto por las luces?.

— En aquel viaje del año 2000, estaba en el hotel, no podía dormir y vi aquellas luces en el cielo (auroras boreales), que en esos momentos no sabía lo que era. No paraba de decir “¡Guau!” y tenía la cámara en mi mano y me dije: “¿Grimanesa, quieres vivir esta experiencia o verla a través de un lente?”. Me contesté: “quiero vivir el momento y no tener que preocuparme de la composición”. Dejé la cámara y entonces me vino otra cuestión a la cabeza: ¿cómo puedo compartir esta sensación de “Guau” con otras personas? De ahí surgieron mis creaciones de luz.

— Una luz también intensa la que se vive del lugar de donde usted proviene. ¿Qué recuerdos tiene de su Perú natal?.

— Mantengo mucha relación. Toda mi familia vive allá y gran parte de la inspiración de las obras que realizo vienen de la época que viví en Perú, recuerdo con gran intensidad el viaje que realicé a las Islas de los Uros (lago Titicaca).

— Se dice de usted que ha conseguido traer el futuro al arte, ¿cuál es su concepto de futuro?.

— Siempre pienso que el futuro es incierto y quiero que compartan conmigo el presente, que es lo real. Entiendo que digan eso por mi utilización de la tecnología. Me atrae mucho las nuevas formas de poder compartir mis ideas artísticas a través de la tecnología, pero que no consuman mucha energía, por eso me gusta relacionarme con empresas que buscan la eficiencia energética.

— Algunos expertos indican que su obra y usted misma transmiten una cierta filosofía.. .

— Vivo mi propia verdad. Ser auténtica no es fácil y me gusta funcionar, como símil,  igual que el agua, fluida y transparente.

— ¿Cuál es su particular concepto de arte público?.

— Es extremadamente importante porque me da la posibilidad de comunicarme con un gran número de espectadores. Conseguir que paren en su caminar o levanten la vista para ver la obra y piensen en ella, aunque sean unos segundos, es para mí fundamental. En el arte público habrá personas más intelectuales que reflexionaran sobre cómo ha sido hecha la pieza, al mismo tiempo otros verán ese “Guau” que experimenté yo y, otra persona, por ejemplo un ingeniero, pensará: ¿cómo está hecho este montaje? En definitiva es la generosidad de compartir diferentes aspectos de una obra de arte.

— ¿Hace habitualmente algún estudio previo del lugar del montaje?.

— Es muy importante para mí que haya un estudio de la zona,  un análisis de las personas que por allí pasan. Porque cuando haces arte público, normalmente, hay mucha educación detrás. Un aspecto que me interesa mucho es la educación, porque los niños que se acostumbran a ver arte serán más creativos, aunque no tienen por qué ser artistas, pero cuando acuden colegios o universidades se preguntan la razón por la que el artista ha elaborado esa creación y puede que aprendan también la historia de esa zona.

–¿Qué fuerza encuentra en la juventud y el enganche artístico a partir de los nuevos elementos como el vídeo y luz que tanto utiliza?.

— Existe una gran conectividad. Es inmediata.  Ellos viven en imágenes, la entienden, quieren aprender más. Creo que mi obra tiene una gran comunicación con la juventud. Además, si a un niño pequeño le fascina alguna de mis creaciones… creo que ya hice mi trabajo.

— Usted que ha expuesto en docenas de países por todo el mundo, ¿cree que existen diferencias entre los dispares públicos que contemplan su obra en función de la zona donde expone?.

— Sinceramente, no. Creo que la verdad es una y así es percibida.  Reportaje e imágenes: Efe

Por: Antonio Dopacio

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